Claudia Rangel: abril 2010

UNIVERSIDAD DE GUANAJUATO
ESCUELA DE DISEÑO
DISEÑO GRÁFICO

NUEVAS TENDENCIAS DEL DISEÑO

MTRA: CINTHIA VILLAGÓMEZ
ALUMNA: CLAUDIA IVETTE RANGEL MARTÍNEZ

Investigación:
· FUTURISMO
· DADAÍSMO
· CONSTRUCTIVISMO RUSO
· FLUXUS ART
· BEAT GENERATION
· MOVIMIENTO DE CÓMIC

El futurismo
El 20 de febrero de 1909 se publicó el “Manifiesto del futurismo”, redactado por Emilio Filippo Tommaso Marinetti. En el expresa entusiasmo por la vida moderna, la velocidad, la guerra y la revolución. Con este manifiesto Marinetti se ganó la adhesión de cinco artistas: Umberto Bocciconi, Carlo Carrá, Giancomo Balla, Gino Severini y Luigi Russolo. Ellos publicaron el manifiesto de la pintura futurista, el 11 de febrero de 1910, en el que se condenaban “todas las formas de la imitación, la armoniía y el buen gusto”. El 11 de abril de 1910 apareció el manifiesto técnico de la pintura futurista. Ahí se exigía el “dinamismo universal”, que la pintura debe reproducir como sensación dinámica.
Con la aparición en 1914 de la revista Lacerba, dirigida por Giovanni Papini, la tipografía participó en las disputas artísticas. Papini se encargó de cambiar la concepción tipográfica, mostrando los primeros experimentos de “tipografía en libertá”. En 1914, Carlo Carrá publicó las primeras “parole in libertá”; su diseño tipográfico acentuaba los diferentes párrafos, la repartición de elementos y volúmenes resultaba en una composición dinámica, sus collages y dibujos evocaban impresiones bélicas del autor, incluía números, letras, palabras y frases completas, y el espacio se sometía a un ritmo de gran plasticidad.
Ardengo Soffici defendió el “lirismo tipográfico”, empleaba las letras como formas vivas y autónomas, la colocación diagonal de las mismas, el contraste de tamaños y la composición de pequeñas figuras hechas con frases creaban una tipografía sumamente variada y expresiva.

El dadaísmo
Las declaraciones de los dadaístas, concebidas como protesta contra la guerra y los dudosos valores sociales, iban dirigidas sobre todo contra la fe superficial en el progreso y contra la moral, la filosofía y la religión de la época: “El sinsentido lógico del hombre reemplazarse por el sin-sentido ilógico. Dada está por la naturaleza y contra el arte”.
Dada nació en Zúrich como un movimiento literario. Arp, Richter, Janco, Lüthy y otros expusieron por primera vez en 1917, en la galería Dada. En julio de 1917 apareció el primer número de la revista Dada, dirigida por Tzara.
El rechazo dadaísta del arte no fue ninguna desventaja para sus actividades artísticas. La disolución de reglas y dogmas ponía al artista más cerca de sí mismo. Se reconocía la actividad del inconsciente, pero al mismo tiempo se buscaba el camino hacia un nuevo orden que conciliara lo espontáneo con lo planeado. Gracias a esta síntesis, la tipografía se deshizo de su lastre tradicional.
En su libro Un coup de dés (1897), Mallarmé concibió un relato consistente en una yuxtaposición de temas espacial y tipográficamente articulada mediante el uso de caracteres de diferentes tamaños. Apollinaire realizó en sus caligramas una versión pictográfica de la misma idea.
La tipografía de los dadaístas Tzara y Hausmann era el resultado de consideraciones óptico-gráficas por las que letras y signos se constituían en valores formales capaces de crear campos de tensiones y marcar contrastes en composiciones como collages de letras de imprenta, recados y signos pictóricos.
En Nueva York, Berlín, París, Hannover y Colonia se formaron otros grupos dadaístas en parte independientes del de Zúrich. Entre sus realizaciones artísticas figuran collages y fotomontajes: se recortaban y pegaban fotografías de revistas ilustradas, cartas antiguas, anuncios, etiquetas, etc., y de la combinación de signos e imágenes extraños entre si resultaban composiciones ricas o provocadoras. El poeta Hausmann experimentó con la “poesía ortofonética”, en la que fonemas, sílabas y palabras formaban una imagen.

El constructivismo ruso
La activa vida intelectual y artística de Moscú y San Petesburgo desde 1850 aproximadamente irradió a los países de la Europa occidental. Se daba a conocer al público ruso el arte occidental de la época a través de exposiciones y publicaciones en revistas progresistas. Influidos por el cubismo francés, la Neue Künstlervereinigung muniquesa y el futurismo italiano, jóvenes artistas, principalmente Michael Larionov y Natalia Goncharova, introdujeron la pintura cubo-futurista, caracterizada por sus líneas y colores ajenos a toda representación objetiva y expresivamente fauvistas.
En 1913 Larionov mostraba en la exposición “La Diana” sus nuevos cuadros rayonistas, al tiempo que publicaba su “Manifiesto Rayonista”.
La teoría del rayonismo constituyó el fundamento del suprematismo de Malevich. En 1913, este produjo su primera obra suprematista: el decorado y el vestuario para la comedia con música de Kruchenich “La victoria sobre el sol”. “El origen del suprematismo, del nuevo realismo pictórico sin objetos, fue una superficie cuadrada”.
Vladimir Tatlin (1855-1953) se atuvo en sus obras a la formulación de Cézanne: “No hay líneas, no hay modelados; sólo hay contrastes. Si el color es rico, la forma es plena”.
En 1918 se fundaron en Moscú los Talleres Superiores Artístico-Técnicos Vchutemas. Ese mismo año se nombra a Chagall director de la Academia de Arte de Vitebsk, y se encarga a El Lissitzky la dirección del departamento de arquitectura y artes.
El cartel político de El Lissitzky con el título “Batid a los blancos con la cuña roja” fue otro trabajo precursor: triángulos y líneas de color rojo y aspecto agresivo que en direcciones de ataque variables hacen retroceder a la figura de la parte derecha del cartel: un gran círculo blanco sobre una superficie negra.
De 1923 a 1925, el órgano de los constructivistas fue la revista LEF, y de 1927 a 1928 NOVYI LEF. En ella colaboraron Mayakovsky y Rodchenko, sus diseños consistían en fotomontajes y tipografías integradas en sus líneas predominantemente horizontales, con tipos cuidadosamente construidos y acentuación futurista de lo mecánico.
En los diseños que realizó Rodchenko se perfilaba ya la disposición limpia y clara en columnas de las composiciones tipográficas y fotográficas. Las fotografías se insertaban en columnas de texto, y los titulares y encabezados se destacaban por el contraste entre el blanco y el negro.

Fluxus art
Es un movimiento artístico de las artes visuales pero también de la música y la literatura. Tuvo su momento más activo entre la década de los sesenta y los setenta del siglo XX. Se declaró contra el objeto artístico tradicional como mercancía y se proclamó a sí mismo como el antiarte.
Fluxus fue informalmente organizado en 1962 por George Maciunas (1931-1978). Este movimiento artístico tuvo expresiones en Estados Unidos, Europa y Japón.
Fluxus, que se desarrolla en Norteamérica y Europa bajo el estímulo de John Cage, no mira a la idea de la vanguardia como renovación lingüística, sino que pretende hacer un uso distinto de los canales oficiales del arte que se separa de todo lenguaje específico; es decir, pretende la interdisciplinariedad y la adopción de medios y materiales procedentes de diferentes campos. El lenguaje no es el fin, sino el medio para una noción renovada del arte, entendido como “arte total“.
Como Dadá, Fluxus escapa de toda tentativa de definición o de categorización. Según Filiou, es "antes que todo un estado del espíritu, un modo de vida impregnado de una soberbia libertad de pensar, de expresar y de elegir. De cierta manera Fluxus nunca existió, no sabemos cuándo nació, luego no hay razón para que termine".

Asimismo Filiou opone el Fluxus al arte conceptual por su referencia directa, inmediata y urgente a la realidad cotidiana, e invierte la propuesta de Duchamp, quien a partir del Ready Made, introdujo lo cotidiano en el arte. Fluxus disuelve el arte en lo cotidiano.
Fluxus estaba dirigido a impactar en el público como una imitación de lo intrínsecamente vital. La complejidad de los conciertos Fluxus y la colaboración de artistas de la talla de Joseph Beuys,Wolf Vostell, Nam June Paik y Charlotte Moorman desembocaron en interpretaciones que transmitían una visión muy especial e inconformista de la vida. Los conciertos Fluxus no son placeres auditivos de alta fidelidad y sintonía fina. No se produce una armonización acústica a través de unos bajos precisos, de unos tonos medios naturales y de tonos concomitantes cristalinos. La autenticidad inconfundible de los conciertos Fluxus y la pasión y el poder innovativo de los artistas supusieron un cambio profundo en la expresión del arte.

Beat Generation
El término Generación Beat (en inglés: Beat Generation) se refiere a un grupo de escritores estadounidenses de la década de los cincuenta, así como al fenómeno cultural sobre el cual escribieron. Algunos elementos definitorios son el rechazo a los valores estadounidenses clásicos, el uso de drogas, una gran libertad sexual y el estudio de la filosofía oriental. Esta nueva forma de ver las cosas dejó su principal influencia y legado en la posterior contracultura o movimiento hippie.
El grupo inicial estaba formado por Jack Kerouac, Neal Cassady, William Burroughs, Herbert Huncke, John Clellon Holmes y Allen Ginsberg. En 1948 se unieron Carl Salomon y Philip Lamantia, en 1950 Gregory Corso y en 1954 Lawrence Ferlinghetti y Peter Orlovsky.
Su canto a la liberación espiritual derivó hacia una liberación sexual que hizo de catalizador en los movimientos de liberación de la mujer y de los negros, el ascenso de la contracultura hippie e indirectamente a la liberación de los homosexuales.

Jack Kerouac (Lowell, Massachusetts 12 de marzo de 1922 - St. Petersburg, Florida 21 de octubre de 1969) novelista y poeta estadounidense. Integrante de la Generación Beat.
Es considerado uno de los autores estadounidenses más importantes del siglo XX; la comunidad beatnik le reconoce como el "King of the Beats"[. Su estilo ritmado e inmediato, denominado por él mismo "prosa espontánea", ha inspirado a numerosos artistas y escritores, entre los que destaca el cantautor Bob Dylan. Las obras más conocidas de Kerouac, En el camino (On the Road), considerado el manifiesto de la beat generation, Los vagabundos del Dharma, Big Sur o El viajero solitario, narran de manera ficcional los viajes del autor a través de Estados Unidos. El género cinematográfico del road movie recibe una influencia directa de las novelas de Kerouac, especialmente en el ámbito la técnica narrativa.
"Jazz poet", tal y como se definía a sí mismo, Kerouac elogia las hazañas del amor (la pasión carnal es para él "la puerta del paraíso"), proclama la inutilidad de todo conflicto armado y considera que "sólo las personas amargas desprecian la vida". Jack Kerouac y sus escritos son así considerados los precursores del modo de vida de la juventud de los años 1960. Son una muestra de la joven Beat Generation "que hizo tambalearse las certitudes de la sociedad americana. Inspiró de manera directa tanto a los movimientos de mayo del 68 como a la oposición a la guerra del Vietnam, o a los hippies de Berkeley y Woodstock. Y sin embargo, a la vez, la Beat Generation enriqueció el mito americano. En el camino, la novela más conocida de Kerouac, es una oda a los grandes espacios, a la epopeya hacia el oeste, al descubrimiento de un nuevo mundo".

Movimiento de cómic
El origen del cómic está vinculado a las características económicas, sociales y culturales de la sociedad en la que se origina.
El cómic es fruto de varios siglos de experimentación. Como forma de representación debe asociarse a la cultura de masas. El cómic es, por consiguiente, un producto industrial, independientemente de su valoración estética ó semiótica.
Desde esta perspectiva puede considerarse como uno de los primeros antecedentes del cómic publicado en la prensa a una litografía satírica de Napoleón Bonaparte del caricaturista inglés James J. Gillray, publicada hacia 1800.
Gombrich sostiene que corresponde al humorista y dibujante ginebrino Rodolphe Töpffer el haber inventado la historieta dibujada, dice que: "Las novelas humorísticas en dibujos de Töpffer son inocente antepasados de los sueños manufacturados de hoy. Encontramos todo en ellos, aunque todavía bajo una tonalidad genuinamente cómica".
Según R. Töpffer: "Hay dos modos de escribir cuentos, uno es capítulos, líneas y palabras, y los llamamos Literatura, y otro mediante una sucesión de imágenes, y a este lo llamamos el Cuento de imágenes".
Los primeros Cuentos en imágenes corresponden al año 1829, posteriormente Töpffer publica un folleto sobre fisonomía que puede considerarse el primer intento de reflexión sobre el cómic.
Hacia 1865 el caricaturista alemán Wilhelm Busch crea Max und Moritc, tal vez los dos primeros personajes de historieta, dos niños que, con sus travesuras, ponen en jaque a la gente que les rodea.
La estética de la ilustración, el humor político y el periodismo satírico son géneros a tener en cuenta a la hora de considerar las influencias en el origen del cómic. En Europa se suman a estos elementos la tradición proveniente, por un lado, de aucas y aleluyas y, por otro, el auge de las novelas por entregas.
Las aucas eran dibujos de origen pagano que tenían al pie de la imagen una frase mientras que las aleluyas eran estampitas religiosas con la palabra "aleluya", más tarde se llamó de esta manera a una serie de viñetas con una frase corta en su pie.
"A partir de esta suma de influencias -dice Antonio Martín- el naciente cómic europeo quedará fijado en una forma poco evolucionada, según la cual, dibujo y texto se complementa narrativamente pero no se integran dentro del espacio de la viñeta como ocurre en el cómic americano, sino que los textos, generalmente descriptivos y abundantes, son situados al pie de la misma".
Hacia finales del siglo XIX en Europa como en Estados Unidos, los periódicos recurrían a diferentes incentivos con el fin de atraer el mayor número de lectores y, por consiguiente, controlar el mercado. La modernización de los sistemas de impresión de Estados Unidos va a permitir que a partir de 1893 en los suplementos dominicales apareciera una página en color. En esta página del "New York World" apareció en 1895 una viñeta del dibujante Richard F. Outcault que va a sentar las bases de la historieta actual.

COMENTARIO:

Como podemos notar, en el futurismo se mostraba un mayor dinamismo, sobre todo en cuanto a la tipografía, pues ésta pasó a jugar un papel muy importante dentro de las composiciones, las letras se manejaban como formas vivas, se jugaba con su tamaño y se daba contraste entre unas y otras. El diseño tipográfico tuvo gran relevancia, pues marcaba un estilo y diseño propios, gracias a la forma en que varios de los artistas lograron la repartición de los elementos.
En el dadaísmo se protestaba contra la guerra, este movimiento literario no seguía reglas, el artista se dejaba llevar por el inconsciente, lo cual daba resultado a obras espontáneas y gracias a esto la tipografía se salió de los parámetros tradicionalistas y marcaba contrastes en las composiciones, así mismo se combinaban signos e imágenes extraños que daban como resultado composiciones provocadoras.
En el constructivismo ruso se hacían exposiciones y publicaciones en revistas para dar a conocer al público ruso el arte occidental. La pintura se caracterizaba por sus líneas y colores ajenos a toda representación objetiva, fue llamada pintura cubo-futurista. Surge el suprematismo, donde no hay objetos, solo una superficie cuadrada. En el Cézanne no existen las líneas, solamente los contrastes. Se vio la aplicación en los carteles, con el manejo de figuras geométricas como el triángulo, el círculo y líneas.
Las revistas presentaban fotomontajes y eran composiciones limpias, con columnas que presentaban buenas composiciones tipográficas y fotográficas. Otra característica importante es que los encabezados se destacaban por el contraste entre blanco y negro.
El fluxus se proclamó como antiarte. Este movimiento artístico estaba dirigido a impactar a la gente y la interpretación de los artistas transmitía una visión inconformista de la vida. Sus conciertos no tienen una armonización acústica, están llenos de pasión y poder innovativo.
El beat generation rechaza los valores estadounidenses clásicos, fomenta el uso de drogas y propaga una gran libertad sexual y el estudio de la filosofía oriental. Influyó también en los movimientos de liberación de la mujer y de los negros, la contracultura hippie fue en ascenso y de forma indirecta influyó también en la liberación de la homosexualidad.

BIBLIOGRAFÍA:
Josef Müller Brockmann
HISTORIA DE LA COMUNICACIÓN VISUAL.

FUENTES:
www.uclm.es/profesorado/ricardo/comic2
http://es.wikipedia.org/wiki/Generaci%C3%B3n_beat